martes, 30 de junio de 2009

Sam Newsome - This Masquerade (2000)

Hace poco mencioné en este blog a Sam Newsome, un tipo que me gusta bastante. No ha grabado tanto como me gustaría y tampoco le beneficia a nivel discográfico su tendencia a variar con regularidad el aspecto conceptual de su música (algo muy sano, en realidad).

A principios de esta década, Newsome grabó un par de discos con el sello danés SteepleChase junto a Bruce Barth, con quien ha colaborado regularmente.

En This Masquerade, con un cuarteto completado por Ugonna Okegwo y Gene Jackson, Barth y Newsome recrean nueve temas, la mayor parte de ellos muy conocidos. La reinterpretación que hacen de standards como "Satin Doll", "The Girl From Ipanema" o "Stella By Starlight" es ingeniosa y original, sin contar con que los cuatro músicos tocan relajados y con mucho rollo.



Newsome tiene un sonido precioso y muy personal al soprano y Barth, que no es ningún pianista excepcional, está en este disco en una forma impresionante, improvisando al mismo nivel del saxofonista, que es bastante alto.

Como aspecto negativo del disco, un clásico cuando hablamos de SteepleChase: la portada es fea hasta rozar el delirio. Una foto cutre del pobre Newsome con lo que podría ser un pijama (o, en todo caso, algo con lo que irías a comprar el pan, pero no aparecer en la portada de tu disco), sobre un fondo blanco y una barra cruzándolo de un color que no soy capaz de describir, en la que se sitúa el nombre de los miembros del cuarteto. Me dan ganas de arrancarme los ojos cuando la miro. Pobre Sam.

lunes, 29 de junio de 2009

Marion Brown - Three For Shepp (1966)

Este disco es un ejemplo perfecto de cómo el momento, el lugar y la casualidad pueden condicionar la posición de una grabación en la historia del jazz.

Three For Shepp se vendió mal cuando salió, de ha reeditado poco desde entonces y su lugar en los años gloriosos de Impulse! ha quedado un poco difuminado.



En él, Marion Brown homenajea a Archie Shepp de la misma forma que, un año antes, el propio Shepp lo había hecho con John Coltrane en Four For Trane.

Salvando las distancias entre los inspiradores, Three For Shepp es un disco maravilloso que se compone de tres originales de Shepp y tres de Brown, interpretados por dos grupos excepcionales en los que coinciden Brown, Grachan Moncur III y Sirone, con Dave Burrell y Bobby Capp en los temas del líder y Stanley Cowell y Beaver Harris en los de Shepp. Casi nada.

El resultado es una joya de la vanguardia de los 60, menos agresivo de lo que podría parecer y con desarrollos muy variados que incluyen ecos de Nueva Orleans, blues, raíces africanas e incluso bop.

A ver si Universal se enrrolla y reedita éste y el resto de títulos de Brown para Impulse!, mucho más difíciles de encontrar que Three For Shepp.

sábado, 27 de junio de 2009

Laia Cagigal - Apnea (2009)

Extraído de mi reseña para Tomajazz:

"Laia Cagigal juega bien sus cartas. Por un lado, se rodea de una gran banda base, con Roger Mas, Giulia Valle y Ramón Prats y, a partir de ahí, salpica el conjunto con algunas colaboraciones variadas e interesantes; pero lo más importante es el enfoque general, en el que la poesía, las letras y la música se vuelven uno. Cada palabra y cada nota emitida por la cantante están definidas, tienen una razón de ser y no caen en la pedantería o la pomposidad. El disco está muy estructurado y revela que Cagigal tiene las ideas claras, una visión moderna (algo menos habitual de lo que parece) y buena mano para componer."

La reseña completa pinchando aquí o en la imagen.

viernes, 26 de junio de 2009

Michael Jackson - Bad (1987)

Bad nunca tendrá el peso de Off The Wall o de Thriller, pero es el primer disco de Michael Jackson que me viene a la cabeza.

Cuando yo tenía 10 años y supliqué a mi familia que me regalase el último disco del cantante, no tenía ni idea de quién era Jimmy Smith, responsable del solo de hammond del tema "Bad", o Martin Scorsese, que dirigió el video del mismo tema que tantas veces había disfrutado con mis infantiles ojos. Sólo sabía que me encantaba esa canción y, cuando tuve el disco, lo escuché una y otra vez hasta que se incrustó para siempre en mi memoria.

Hace un par de horas, poco después de un concierto en el que curiosamente ha sonado "Billie Jean", he recibido una llamada que me informaba de la muerte de Jackson. De vuelta a casa he encendido la radio del coche aleatoriamente y en ella sonaba el "You Are Not Alone" que escribió R. Kelly (presumiblemente) y grabó Jackson en 1995, en uno de sus últimos coletazos artísticos.



Toda la basura y los carroñeros que han rodeado a Michael Jackson en los últimos años han empañado a uno de los grandes de la música popular.

Pero, aunque hoy despidamos a un hombre muy enfermo, no es el hombre lo que debe permanecer, sino el magistral cantante y compositor que tanta música maravillosa ha creado. Porque Michael Jackson es mucho más que un cotilleo repugnante, un baile imitado hasta la saciedad o un triste e incomprensible comportamiento.

Tenemos la suerte de que, aunque Jackson haya muerto, nos quedamos con lo mejor que hizo. Lo único importante, en realidad.


Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify.

miércoles, 24 de junio de 2009

Gebhard Ullmann Basement Research - Don’t Touch My Music Vol.2 (2009)

"La música de Ullmann en general, y la de este grupo en partícular, representan esa vanguardia que sigue exprimiendo la libertad, la composición, la interacción y la improvisación como elementos necesarios e ineludibles para seguir haciendo jazz libre y nuevo, por difícil que sea". (Extraído de mi reseña para Cuadernos de Jazz)

Pinchando aquí o en la imagen, la reseña completa de este estupendo disco.


lunes, 22 de junio de 2009

Cannonball Adderley - Them Dirty Blues (1960)

Éste bien podría ser mi disco favorito de Cannonball Adderley. No es que me parezca el mejor o el más importante, pero llegó a mi vida en un momento en el que yo era muy permeable y le tengo un cariño especial.

Grabado un año después de que el saxofonista participase en las sesiones de Kind Of Blue, Them Dirty Blues es un ejemplo estupendo del mejor Adderley, swingante, soulful, tan luminoso como lleno de blues.

Acompañado por Barry Harris en algunos temas y por Bobby Timmons en otros, el resto del grupo lo conforman Nat Adderley, Sam Jones y Louis Hayes. Todos ellos están perfectos, en el sentido más estricto de la palabra.



Además, el repertorio es ejemplar, con versiones definitivas de"Jeannine", "Dat Dere", "Del Sasser" o el mítico "Work Song", en dos tomas diferentes: una de ellas con Harris y la otra con Timmons. Es muy interesante compararlas y ver por qué, a pesar de que Timmons parece el pianista idóneo para este tema, es la toma de Harris la que se publicó en el LP original.

Recuerdo que cuando Jorge Guerricaechevarria nos dejó Them Dirty Blues a mi amigo Asier y a mi, me pasé meses escuchándolo, memorizando los solos, dejándome infectar por los poderosos acordes de Timmons, las líneas perfectas de los hermanos Adderley y el swing ineludible de Sam Jones (un contrabajista muy infravalorado, por cierto).
Y la verdad, no se si me puede la nostalgia, pero más de 15 años después me sigue sonando maravilloso.


Nota: La portada que he puesto no es la original, sino la de la reedición en CD de Landmark, que es exáctamente la que me pasó Jorge cuando descubrí el disco. Qué puedo decir, soy un sentimental...


sábado, 20 de junio de 2009

Los Trapos Sucios - La Autobiografía de Mötley Crüe

Esat noche veré en KobetaSonik a Mötley Crüe, una de las mejores y más míticas bandas de rock de los 80.

Recientemente, la nueva editorial Es Pop ha publicado Los Trapos Sucios, una enloquecida e irreverenta autobiografía de la banda, que estoy leyendo en los últimos días.

Con todo lo grandioso y lo patético que cualquier extrella del rock debe encarnar, sucia, hedonista, bocazas, apoteósica, ególatra... Los Crüe se retratan de una forma dura, no demasiado agraciada en varios momentos, pero con esa mezcla de repugnancia y atracción que pueden provocar figuras tan grandes y tan decadentes al mismo tiempo.



No se qué es verdad y qué es mentira de todo lo escrito en este libro y, la verdad, me da igual. Es divertidísimo, extremo y una de las mejores lecturas sobre rock que he disfrutado nunca.

Dice Nick Hornby en la contraportada, en una cita extraída de The Believer: "¿Por qué algunos leemos un montón de libros y vemos mucha televisión en vez de tocar en Mötley Crüe? Porque no tenemos el estómago para ello. Es tan sencillo como eso. Los trapos sucios es un libro definitivo: si hay historias peores que ésta en el rock and roll, no merece la pena contarlas".

Pues eso.

viernes, 19 de junio de 2009

Marilyn Manson - Antichrist Superstar (1996)

Hoy comienza la edición de este año del festival Kobetasonik, que un servidor va a cubrir para mtv.es.

No soy un gran aficionado al heavy o al metal, pero me interesa y hay varias bandas que me encantan entre todos los estilos que abarcan, así que espero disfrutar con más de un concierto.

Entre los de esta noche, me da especial morbo el de Marilyn Manson, un grupo que empezó bien y poco a poco se ha ido convirtiendo en una broma de mal gusto.



Antichrist Superstar fue uno de los mejores discos de 1996, con grandes canciones (como "Irresponsible Hate Anthem", "Minute of Decay" o "Tourniquet") y la asombrosa producción de Trent Reznor, a quien Manson debe lo mejor que ha editado en su carrera.

Lo he rescuchado y me sigue pareciendo una joya del metal industrial, pero me aterra lo que voy a presenciar esta noche en directo. Veremos.


Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify.

Charlie Mariano with Tete Montoliu trio - It's Standard Time Vol.1 (1989)

Nunca estuvo entre mis favoritos, aunque es dificil haberse empapado de jazz sin escucharle en un sitio u otro. Hubo grabaciones que protagonizaba o en las que participaba que me encantaron y hubo otras que no tanto, la verdad. Supongo que ese es el precio de ir de un estilo a otro a lo largo de la carrera de uno.

En cualquier caso, Charlie Mariano es un grande de su instrumento, un pedazo de historia que falleció hace unos días.

Este It's Standard Time Vol. 1 no está, ni mucho menos, entre sus mejores discos pero le tengo cierto cariño. Mariano está bastante bien, un poco errático en algún momento, pero sopla con ganas y huye del sambenito de "heredero de Parker" a pesar de tocar standards como "Stella By Starlight" o "Billie's Bounce".



El que brilla generosamente es Tete Montoliu. El catalán está en su salsa tocando con su trío un repertorio que es pan comido para él. Como es habitual, merece la pena escuchar con atención cada uno de sus solos. Con Horacio Fumero y el estupendo Peer Wyboris (que también nos dejó hace unos meses), el trío camina con fuerza.

La verdad es que It's Standard Time Vol. 1 no es una de las mejores grabaciones de ninguno de los implicados en ella, pero es el primer disco en el que recuerdo haber escuchado a Mariano y como homenaje, a mi me vale.

Curiosamente, escribo estas líneas a la vuelta de un concierto en Bilbaína Jazz Club, con Guillermo Calliero a la trompeta, Albert Bover al piano, Hasier Oleaga a la batería y el gran Horacio Fumero al contrabajo. Han pasado veinte años desde que Fumero grabara el disco que comento hoy junto a Mariano, Montoliu y Wyboris y, caminando hacia mi casa, he reparado en que él es el único que queda vivo. Perra vida.

miércoles, 17 de junio de 2009

Rueda prensa de la Asociación de Ex Colegiales San Juan Evangelista

Copio y pego esto, que aunque ya es inminente creo que es muy importante:

El Festival contra el cierre del Johnny que se celebrará el próximo día 26 a las 21:00 horas en el Salón de Actos del Johnny y al que ya se han adherido más de 50 cantautores, músicos y cantaores, así como gentes del espectáculo, el periodismo y la Universidad, será de entrada libre con invitación a recoger en la puerta de entrada


ASOCIACIÓN EXCOLEGIALES CMUSANJUAN

Convocatoria de Prensa
DIA: 18 de Junio (jueves)
LUGAR: Ateneo de Madrid (C/Prado, 21)
HORA: 12h.

La Asociación de Ex Colegiales del C.M.U. San Juan Evangelista y residentes de este Colegio Mayor comparecen ante los medios de comunicación para presentar:

• Manifiesto contra el cierre del C.M.U. San Juan Evangelista, que han firmado ya
decenas de intelectuales y artistas.

• Festival contra el cierre del Johnny que se celebrará el próximo día 26 en la
Universidad Complutense y al que ya se han adherido más de 50 cantautores, músicos y cantaores, así como gentes del espectáculo, el periodismo y la Universidad.

• Marcha de las gestiones y movilizaciones que se realizan contra esa medida,
anunciada por Unicaja, gestora del Colegio.

Nos acompañarán: el escritor FELIX GRANDE, el dramaturgo JOSÉ CARLOS PLAZA, la cantaora CARMEN LINARES, el actor RAFAEL ÁLVAREZ “EL BRUJO”, la escritora ELVIRA LINDO


UNICAJA anunció el 3 de mayo el cierre del C.M.U. San Juan Evangelista:
El C.M.U. San Juan Evangelista abrió sus puertas dentro de la Universidad Complutense de Madrid en 1966. Pertenece a la Obra Social de Unicaja. Desde su fundación ha sido referente de libertad, cultura y pluralidad. Su gestión estuvo siempre dirigida a permitir el acceso a la Universidad de las clases menos favorecidas. Su papel pionero durante la transición y su rica e innovadora agenda cultural han sido hasta ahora un referente no sólo en la Universidad sino también para el resto de la sociedad. Unicaja se ha limitado a anunciar su cierre, tras 43 años de existencia, para realizar unas supuestas obras de reforma de las que no se conoce proyecto ni fecha de reapertura.

Contactos:
Juan Baño 617322060 - juanfernandob@gmail.com
Juan Cuesta 676956510 - jcuestarico@hotmail.com
Cristina 625850702 - Cristina.mmi@gmail.com

martes, 16 de junio de 2009

Jolie Holland - The Living And The Dead (2008)

Ayer estuve viendo a la cantante y compositora norteamericana Jolie Holland, acompañada por el guitarrista Grey Gersten, en un concierto con grandes momentos y con otros un poco más cuestionables. Como curiosidad debo decir que Gersten, que no se lució demasiado en el concierto, llegando a protagonizar momentos de auténtica torpeza, está bastante relacionado con el downtown neoyorquino, habiendo llegado a compartir varias veladas con Billy Martin, John Zorn o Anthony Coleman en The Stone. Viéndole ayer, nadie lo diría.

Así que hoy he decidido volver sobre el último disco de Holland, que además es mi favorito de entre los que ha publicado. La presencia en él de algunos músicos que me encantan, como Marc Ribot, M. Ward o Kenny Wollesen, ayudan a que este disco me guste tanto, pero es que además es una gran colección de canciones.



Holland (que fue componente del grupo The Be Good Tanyas) tiene una voz con mucha personalidad, algo muy valioso en los tiempos que corren, y The Living And The Dead es más sencillo (quizá menos pretencioso también) que Springtime Can Kill You, lo que le da un aire de autenticidad estupendo.

El disco salió en octubre de 2008, pero podría ser incluído con toda tranquilidad entre lo mejor de este año.


Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify.

lunes, 15 de junio de 2009

John Zorn - Alhambra Love Songs (2009)

Al contrario de lo que me pasó hace unos meses con el decepcionante Secrets (que firmaban cuatro gigantes como Mark Feldman, Uri Caine, Greg Cohen y Joey Baron), un grupo más discreto me ha sorprendido gratamente con otro disco de la factoría Zorn, del que esperaba más bien poco.

En este caso está a nombre del propio Zorn, que es autor de todas las composiciones y casi seguro habrá metido bastante mano en el desarrollo de la grabación. El trío que interpreta estas Alhambra Love Songs esta formado por Ben Perowsky a la batería, Greg Cohen al contrabajo y al bajo eléctrico (algo poco habitual) y Rob Burger al piano.



Indudablemente, el protagonismo principal recae sobre Burger, uno de los artífices del maravilloso Tin Hat Trio, que últimamente le está dando bastante al piano. Burger es un tipo con un estilo muy particular, no demasiado técnico, rozando la torpeza en algún momento, pero tiene muchísimo encanto y un sonido muy personal. Sus improvisaciones son humildes, pero ingeniosas y muy especiales.

De un tiempo a esta parte he aprendido a permanecer alerta cuando Tzadik utiliza el término "easy listening" en sus efusivos y convincentes textos promocionales. Pero debo reconocer que Alhambra Love Songs es un disco precioso. Quizá no esté empapado de desafío, como otras obras de Zorn, pero despues de escucharlo obsesivamente desde ayer por la tarde, tengo que admitir que las composiciones del neoyorquino son maravillosas, y que el trío de Burger, Cohen y Perowsky las interpreta estupendamente, con un toque de melancolía y cierto aire mediterraneo (aunque los temas homenajean a gente como Vince Guaraldi, Clint Eastwood, David Lynch o Terry Riley).

Una gran sorpresa. No porque Alhambra Love Songs sea una obra maestra o un disco referencial, sino porque se escucha una y otra vez sin que disminuyan las ganas de reescucharlo o el placer obtenido en cada reproducción. Y para mi, eso es mucho.


Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify.

sábado, 13 de junio de 2009

Carla Bley - The Lost Chords find Paolo Fresu (2007)

La revista Cuadernos de Jazz presenta a Carla Bley en el Heineken Jazzaldia. El próximo 24 de julio, la Big Band de la pianista y compositora, actuará en el festival donostiarra en la que promete ser una de las mejores actuaciones de éste.

Con esta noticia en la cabeza, he decidido reescuchar un disco al que otorgué cinco estrellas en su momento. Pasados casi dos años desde que escribí aquella reseña, debo decir que hoy el disco me ha vuelto a parecer precioso y, sobre todo, muy especial.

Dejo aquí la reseña original publicada en Cuadernos de Jazz:



LA MAGIA DE LOS ACORDES ENCONTRADOS

Qué poco le falta a este disco para ser perfecto. El grado de cohesión que alcanza el grupo en la práctica totalidad de la grabación es escalofriante. Lejos de desequilibrar, la entrada de Paolo Fresu convierte un cuarteto interesante en un quinteto fantástico.

Prueba de ello es que el CD que nos ocupa, habiendo sido grabado en estudio, suena mucho mas redondo e inspirado que la anterior entrega discográfica del cuarteto, titulado simplemente The Lost Chords y grabado en directo a lo largo de una gira europea.

Algo tienen que ver las composiciones, puesto que la suite The Banana Quintet, que ocupa dos tercios de la grabación, es excepcional de principio a fin, poniendo de manifiesto tanto la empatía extrema entre Bley y Swallow, como las excelencias improvisatorias complementarias de Fresu y Sheppard. Tras la suite, tres temas que, sin llegar al nivel establecido en ésta, siguen siendo muy interesantes y mantienen la estética adecuada hasta el final, porque la estética es realmente clave en este disco.

Bley, que prácticamente no improvisa, dirige una base que va unida en ritmo, intensidad, color, y que matiza constantemente cada acento, dotando al trío de un carácter orgánico, casi sobrenatural. Tanto que, en muchos momentos, da la sensación de que los solistas son meros accesorios; que la base, por si misma, convertiría cualquier línea en un gran solo.

Este triunfo del conjunto, esa sensación de grupo perfecto, es la que da el aire verdaderamente especial a The Lost Chords Find Paolo Fresu. El encuentro con el italiano, que en la carpetilla aparece como una broma o, simplemente, como una muestra más del sentido del humor de la pareja Bley-Swallow, resulta ser la clave de todo.

Efectivamente, el sonido redondo y liquido del trompetista, contrapuesto al tono hueco y seco de Sheppard forman una pareja acústica estupenda que, arropada por el trío, hacen de este quinteto uno de los mejores grupos, en el sentido estricto de la palabra, que un servidor haya escuchado en mucho tiempo.

Yahvé M. de la Cavada


Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify.

viernes, 12 de junio de 2009

Carla Kihlstedt / Satoko Fujii - Minamo (2007)


Reseña publicada en Cuadernos de Jazz




Cada vez me resulta más fascinante la capacidad de Satoko Fujii de adaptarse a sus acompañantes, siendo totalmente personal al mismo tiempo. Carla Kihlstedt combina una gran técnica con una atención especial a la sonoridad que saca al instrumento. Junto a Fujii, que también usa la sonoridad como un elemento más de la improvisación, crea una música de contrastes, desplegando ideas surgidas del tejido acústico que ambas construyen con una facilidad insultante.

Minamo es interacción en estado puro y un ejercicio de creatividad máxima. Cada motivo que toca una u otra tiene sentido, y si no lo tiene, lo retuercen hasta conseguir momentos de fascinante intensidad y de increíble belleza.


Merece la pena comparar la escucha de Minamo con la de April Shower, disco en el que Fujii desarrolla varios temas a duo con Mark Feldman. Tanto su aproximación al instrumento, como la música resultante, son diferentes y reveladoras.

Yahvé M. de la Cavada

jueves, 11 de junio de 2009

Medeski Martin & Wood - Zaebos, John Zorn's Book Of Angels vol. 11 (2008)

Sigo con John Zorn, y hoy he reescuchado en profundidad este Zaebos, uno de los Book Of Angels más esperados en su momento, por ver cómo funcionaba el famoso grupo con las composiciones de Masada.

La verdad es que las primeras veces que escuché este disco me decepionó bastante. Han pasado unos meses desde entonces y hoy lo he cogido con ganas, a ver que pasaba.



Me ha gustado más que entonces; algunas partes me han gustado mucho y otras me han parecido un poco erráticas. Creo que, en general, el binomio MMW-Zorn no acaba de funcionar, probablemente por lo fuertes que son las personalidades de los implicados.

En cualquier caso, hay cortes buenísimos y los tipos tocan mucho, que no es moco de pavo.


Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify.

miércoles, 10 de junio de 2009

Juan Camacho Quinteto - La Estrategia Del Tiempo (2009)

Extractos de mi reseña publicada en Tomajazz:

"A veces me pregunto dónde se esconde este jazz. Me refiero al jazz curtido, pateado en decenas de escenarios, currado bolo a bolo, humilde pero real. Jazz exprimido al máximo por un grupo de músicos que se ha tomado la molestia de plantarlo, cultivarlo y cuidarlo, hasta saber exactamente cómo sacar lo mejor de él.

Eso es lo que transmite el quinteto de Juan Camacho, experiencia, solidez y jazz de campaña."



"En estos tiempos en los que crecen jazzmen de pacotilla aquí y allá, en los que las tendencias, la pedantería y el gafapastismo quieren robarnos lo bonito de esta música –la autenticidad–, la música de Juan Camacho es un soplo de aire fresco. La Estrategia Del Tiempo no es el disco del año, ni este quinteto el grupo de jazz del momento, de eso no hay duda. Pero ambos son auténticos.
Jazz del de verdad, que no es poco."

La reseña completa, pinchando aquí o en la imagen.

¡SALVEMOS AL JOHNNY!

Copio literalmente este post del blog de Pachi Tapiz:

El Johnny ha puesto en marcha una campaña de adhesiones para evitar el cierre del CMU San Juan Evangelista. Para ello han habilitado una cuenta de correo electrónico. Para adherirse sólo es necesario copiar el Manifiesto y enviarlo añadiendo al final el nombre y apellidos, DNI, Ciudad y País a mttadhesionesjohnny@gmail.com

MANIFIESTO

Por la libertad, la cultura y la pluralidad: UNICAJA, “¡El Johnny no se cierra!”
Ante el anunciado cierre por sorpresa del CMU San Juan Evangelista, los abajo firmantes, ex colegiales, colegiales, protagonistas o partícipes de las múltiples actividades organizadas por el Colegio a lo largo de sus 43 años de existencia, gentes de la cultura o de la universidad y ciudadanos/as en general, decimos a la opinión pública:

1. El CMU San Juan Evangelista ha sido y es parte de la obra social de Unicaja y, como tal, realizauna impagable labor que ha permitido que muchos jóvenes procedentes de los más diversos lugares de Españahayan podido acceder a la universidad en condiciones económicasasequibles. Una obra social de ese calado no puede desaparecer de la noche la mañana.


2. EL CMU San Juan Evangelistaha sido y es un foco de difusión cultural insustituible hacia la Universidad, la ciudad de Madrid y, a través de los medios de comunicación, también hacia el resto del país. Cuenta con el más antiguo y activo club de jazz de España; se ha convertido en un templo del flamenco en Madrid, ayudando a lanzar a muchos jóvenes valores de este arte secular; ha puesto escenario y proyector a cuantas manifestaciones teatrales y cinematográficas intentan abrirse paso en el panorama cultural, siempre al ladode la innovación y la vanguardia, y ha colocado atril y altavoz a quienes han querido compartir reflexiones y propuestas.


3. El edificio del CMU San Juan Evangelista fue una referencia arquitectónica desde su fundación y si ha perdido parte de su interés, ha sido precisamente por las reformas posteriores, que han ido alejando el concepto arquitectónico de la pieza de su frescura inicial. El edificio debe y va a volver a ser referencia y actualidad como propuesta arquitectónica de calidad.


4. El CMU ha sido y es un símbolo de la lucha por la libertad y la democracia en España. El compromiso de buena parte de sus colegiales, especialmente en la década de los 60 y los 70, hizo que su contribución fuera importante en las conquista de las libertades y convirtió al colegio en un elemento agitador de primer orden en el mundo universitario. Ahí nació el “espíritu del Johnny” que ha marcado para siempre el día a día del Centro.


Sólo por estas razones es poco cualquier esfuerzo para que una institución como el San Juan pueda continuar su labor dentro de la Universidad española. El pretendido cierre del Johnny sería un verdadero ERE contra la cultura y la libertad, acogido subrepticiamente al paraguas, siempre recurrente, de la crisis.


Por todo ello pedimos a Unicaja, propietaria del colegio, a la Universidad Complutense y al resto de autoridades académicas y universitarias,que hagan todo lo que esté en su mano para que el SAN JUAN EVANGELISTA siga existiendo.


Nombre y Apellidos

DNI ó documento acreditativo
Ciudad (Pais)


Yo ya me he adherido; si te gusta el jazz y la música en directo, no deberías dejar de hacer lo mismo.

Gracias.

martes, 9 de junio de 2009

Wadada Leo Smith / Susie Ibarra / John Zorn - 50th Birthday Celebration Volume Eight

En septiembre de 2003, John Zorn celebró su 50 cumpleaños organizando dos actuaciones en todas y cada una de las treinta noches del mes. Sesenta sets en total de los que han salido doce discos fantásticos; algunos mejores que otros, sin duda, pero todos de una enorme calidad.

Me encuentro estos días escribiendo sobre Zorn, con lo que volver a estos discos es algo natural y, por cierto, muy placentero. De entre todos ellos, este es uno de los mejores. Contiene los dos sets grabados el 22 de septiembre, el primero a dúo con la percusionista Susie Ibarra y el segundo a dúo con el maravilloso Wadada Leo Smith y en trío con Smith e Ibarra.



La música es libre, arriesgada y provoca emociones con facilidad.

Simplemente con un saxo alto, una trompeta y percusión. Toda una lección de expresividad.


Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify.

lunes, 8 de junio de 2009

Jorge Pardo - Mira (2001)

Cuando salió este disco, hace ya unos años, leí en Cuadernos de Jazz una efusiva reseña de Chema García Martinez (si no me falla la memoria) que me provocó bastante interés.

No suelo ser amigo de estas fusiones orquestadas y en otras circunstancias no hubiera reparado en Mira. Sin embargo, es un disco impresionante en el que Pardo se mezcla con los arreglos de manera sensacional.



Hacía mucho tiempo que no lo reescuchaba y hoy, no sin cierto miedo a que el tiempo hubiese hecho mella en él, he vuelto a ponerlo. Y qué maravilla señores; fresco y emocionante como el primer día.

Repertorio y arreglos se reparten entre Pardo y Antonio Soteldo "Musiquita", que dirige también la orquesta. De entre todo el disco destaca la suite en cuatro partes que lo abre, "Silencio Rasgado", en la que uno puede escuchar una de las mejores fusiones que se han hecho entre flamenco y jazz. Nada que ver con las payasadas que se han ido prodigando en los últimos años a lo largo y ancho de varias listas de éxitos.

Escuchen Mira y comparenlo con otros ejemplos de la mencionada fusión. Nadie como Pardo y quizá Chano Dominguez (en discos de hace bastantes años) ha logrado llegar tan alto en esa empresa.


Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify.

sábado, 6 de junio de 2009

Billy Bang Quartet - Valve No.10 (1988)

Llevo unas horas enganchado a este disco de Billy Bang. En un vistazo rápido a la formación podría parecer que estamos ante una dura sesión de free con Frank Lowe, Sirone, Dennis Charles dándolo todo.



Sin embargo, este cuarteto muestra su lado más lírico, swingando y tocando con suavidad y firmeza un repertorio fantástico, compuesto principalmente de originales de Bang, uno de Sirone, otro de William Parker y una preciosa versión del "Lonnie's Lament" de Coltrane.

Frank Lowe está espectacular y así, en caliente, diría que Valve No.10 es el mejor disco de Billy Bang que he escuchado. Toma ya.

viernes, 5 de junio de 2009

Neil Young - Archives Vol. 1 (1963-72)

Tengo recién estrenada esta esperadísima caja, y ya me parece maravillosa.

Hace unos años empezamos a escuchar noticias sobre una mastodóntica retrospectiva de Neil Young, basada principalmente en material inédito. Desde entonces han ido editándose algunas perlas como los imprescindibles directos de Crazy Horse en el Fillmore y de Young en solitario en el Massey Hall y el primerizo Sugar Mountain, grabado en Canterbury House en 1968.

Esta caja contiene 8 Cds entre los que se incluyen los directos del Fillmore y del Massey Hall, además de una barbaridad de grabaciones inéditas, tanto en estudio como en directo, que van desde las primeras grabaciones de Young con los Squires hasta el mítico Harvest, pasando por Buffalo Springfield, Crosby, Stills, Nash & Young y los propios grupos del canadiense.



No hay palabras para definir la calidad del material. Young es uno de los grandes músicos y compositores de la segunda mitad del siglo XX y esta caja rellena una serie de huecos muy importantes para cualquier aficionado al folk y al rock. Para quien no ha escuchado a Young en profundidad no es, ni de lejos, una obra imprescindible; es de lo más disfrutable, pero a los neófitos les recomendaría empezar por Everybody Knows This Is Nowhere, After The Gold Rush, Harvest o cualquiera de sus obras clásicas.

A partir de ahí es imposible parar, y acabar llegando a esta caja se volverá inevitable.


Nota: Hay otra edición con 10 DVDs (también en Blu-Ray) con audio, video, un libro en tapa dura y un montón de material adicional. Claro que cuesta casi tres veces más.

Nota 2: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify.

miércoles, 3 de junio de 2009

Joe Henry - Civilians (2007)

No acabé de valorar Civilians en su justa medida hasta que vi a Joe Henry en directo el 15 de febrero de 2008. Era la primera vez que Henry actuaba en España en toda su carrera y fue algo mágico, fuera de lo corriente. El repertorio aquella noche se compuso esencialmente de piezas de los dos últimos trabajos del cantautor y productor, Tiny Voices y Civilians, que son a su vez mis discos preferidos de Henry (la actuación que dio 3 días después en Barcelona fue elegida "mejor concierto internacional del año" por la revista Rockdelux).

El pasado 30 de mayo volví a verle en directo y fue igual de mágico. La misma formación: Henry a la acústica y piano, David Piltch al contrabajo y el espectacular Jay Bellerose a la batería. No se puede decir más con menos sobre un escenario. Henry y su banda son un portento de expresividad y de sofisticación. Servidor tiene la suerte de asistir a una cantidad nada despreciable de actuaciones de diferentes estilos, y juro que he visto pocas cosas tan acojonantes.

El repertorio volvió a estar centrado en Civilians y Tiny Voices, aunque el norteamericano rescató un par de piezas de Scar, además de una de Fuse y otra de Trampoline.



Civilians es el (por poco tiempo) último disco de Joe Henry, y puede situarse sin miedo como una de las obras maestras de la década. Las razones para ello se pueden encontrar en las composiciones y las letras, rozando algunas de ellas la absoluta perfección, la impresionante producción (obra del propio Henry) o la banda que le acompaña.

David Piltch y Jay Bellerose repiten, al igual que el fantástico Patrick Warren (habitual de Aimee Mann y Tom Waits); y para redondear el conjunto, un par de maestros de las cuerdas: Greg Leisz y Bill Frisell, que protagonizan algunos momentos espectaculares. Si a esto le sumas los coros de Loudon Wainwright III, el piano de Van Dyke Parks en un par de temas y algunos invitados más, el resultado es una unidad musical de élite.

No sabría decir si Civilians es mejor que Tiny Voices, aunque tampoco es necesario. Ambos discos son piezas que quedan realmente cerca de lo mejor que se puede hacer en un estudio de grabación.

Henry sigue siendo un desconocido para mucha gente. Si tu, que estás leyendo esto, no le has escuchado todavía, dale una oportunidad. He hablado tan bien de él que quizá tus espectativas no queden cubiertas. Pero dale tiempo, escúchalo y déjalo reposar. Estoy convencido de que te encantará.


Nota: Pinchando en la portada puedes escuchar el disco en Spotify.

martes, 2 de junio de 2009

El Rángo Dinámico (artículo)

Me tomo la libertad de copiar este estupendo post del compañero Sr. Mondongo. Nunca he sido un talibán del sonido ni un audiófilo, pero hace ya unos años percibo como los discos suenan cada vez peor.

Leed el texto, es muy interesante.

Reino de Mondongo Servicio Público Informa:
Este artículo ha aparecido en infinidad de medios, pero no por ello deja de ser interesante y sigue incitando a la reflexión.
El autor es el ingeniero de sonido (masterización, en concreto) Bob Speer, y la traducción corre a cargo de Xavier Blanco.

¿QUÉ HA PASADO CON EL RANGO DINÁMICO?

Hay que hacerse esta pregunta, porque somos los responsables de lo que está sucediendo a la música. La música que escuchamos hoy en día no es nada más que ruido con ritmo. Y esto no es así porque la música sea mala. Es así porque carece de rango dinámico.

Cuando la música no tiene rango dinámico, pierde la pegada, la emoción y la claridad. La industria discográfica insiste en culpar a los P2P, los MP3s, las grabadoras de CD y muchos otros por la caída de las ventas de CDs. Y aunque hay algo de verdad en sus constantes gimoteos, sólo deben culparse a ellos mismos por el robo que están cometiendo contra los consumidores. No soy un abogado de ese robo. Sin embargo, la industria musical necesita reevaluar lo que considera como buena música. La moderna música de consumo no es musical en absoluto. Se puede describir mejor como anti-musical.

Es anti-musical porque la están dejando sin vida a través de la sobrecompresión durante las etapas de tracking, mezcla y masterización. Es, simplemente, no-musical. No es nada extraordinario que los consumidores no quieran pagar por la música que se produce hoy. Cuesta demasiado y suena mal. Nuestra herencia musical está siendo amenazada por esta anti-música. ¡Ya es hora de que despertemos todos en la industria musical!

Pero, ¿qué es el rango dinámico? Rango dinámico es la diferencia entre los sonidos más suaves y los más fuertes que podemos oir. O, por decirlo de otro modo, es la diferencia entre los sonidos más leves y más potentes en una grabación. El rango dinámico se mide en decibelios (dB). El rango dinámico típico para una grabación de cassette está alrededor de los 60 dB, mientras que en las grabaciones digitales actuales (CDs) puede alcanzarse un rango dinámico de 96 dB. Comparad esto con los 120 dB o más que se dan en las actuaciones en vivo.

Durante años, hemos intentado recrear las emociones de una actuación en vivo, intentando mantener un rango dinámico lo más amplio posible. Esto siempre ha sido difícil con la grabación analógica. Teníamos que situar las señales más débiles por encima del umbral de ruido, mientras manteníamos las señales fuertes por debajo del nivel de distorsión. Para evitar que las señales débiles quedasen enterradas en el ruido de cinta, había que grabarlas al mayor nivel posible. Y para evitar la distorsión de las señales fuertes, teníamos que comprimirlas, resultando en un rango dinámico reducido.

A medida que pasaron los años, se hicieron muchas mejoras en la tecnología de grabación de cinta. Esto, junto con los sistemas de reducción de ruido, ayudó a mejorar el rango dinámico de las grabaciones, pero todavía existían limitaciones. Un buen día, asistimos al nacimiento de una nueva tecnología, llamada grabación digital. ¡Guau! Ahora, con un rango dinámico superior a 90 dB, nuestras grabaciones podían rivalizar con las actuaciones en directo. Bueno, en teoría. La industria musical tenía otros planes.

En vez de usar esta nueva tecnología para tomar ventaja de su rango dinámico, la industria musical fue en la dirección opuesta. Decidieron que "más alto es mejor". De repente, nos encontramos en una carrera para ver qué CD sonaba más alto. Y la única manera de hacer que los CDs sonasen más alto era comprimir la señal más y más. Y aquí es donde estamos hoy. Todo el mundo intenta hacer que su CD suene más alto que ningún otro. La palabra que se utiliza para este proceso es "hot" (caliente). Sí, la música de hoy se graba "hot". El resultado neto: ruido con ritmo.

En diciembre de 2001, diversas personalidades de la industria discográfica participaron en un jurado de los Grammys para elegir el CD con mejor sonido. Después de escuchar más de 200 CDs, no pudieron encontrar ni uno solo que mereciese un Grammy, partiendo de los criterios que les fueron dados. Todo lo que escucharon estaba aplastado hasta el extremo, con grandes cantidades de compresión. El apaño que hicieron fue elegir el CD que presentaba menos signos de producción. Realmente, el ganador no lo fue por su gran trabajo de ingeniería de sonido; ganó simplemente porque fue el que menos había ensuciado la señal. Pensándolo bien, quizá eso ya fuese un gran trabajo de ingeniería. De todas formas, vaya manera de ganar un Grammy.

He aquí una cita de Roger Nichols, uno de los integrantes de aquel jurado: "el mes pasado, escuché todos los CDs enviados a NARAS en la categoría 'Mejor grabación no clásica'. Escuchamos 3 o 4 cortes de los 267 álbumes enviados. Cada uno de los CDs estaba comprimido al máximo, sin rango dinámico. Los finalizers y plugins estaban configurados a tope para conseguir que cada CD sonase más alto que los demás. Nadie intentó tomar partido del rango dinámico y la limpieza de la grabación digital" (EQ Magazine, enero de 2002). Roger Nichols es ganador de un Grammy e ingeniero de sonido de Steely Dan o los Beach Boys.

El mito de los CDs Radio-ready o "preparados para la radio"
"Radio ready" es un término ambiguo creado por profesionales del márketing, cuyo único objetivo es vender productos. Pero a tí te conviene ser un artista o productor informado. La radio es la gran "niveladora"; coge las canciones suaves y sin pegada, y las nivela para competir así con los temas de volúmenes más altos. En el proceso, la dinámica natural de las canciones es totalmente destruida. Pero eso no es todo. La radio también coge canciones extremadamente comprimidas, y las aplasta todavía más.

Masterizar para radio crea una situación que puede hacer que las canciones suenen peor. Aún así, muchos argumentarán que quieren un CD masterizado a niveles altos "para que suene bien en la radio". Lo que quieren realmente es que, al escucharlo en un equipo doméstico o en el coche, suene tan comprimido como se escucha en la radio.

Pero las grabaciones no necesitan un procesamiento especial para sonar bien en la radio. La radio ya se encargará de los picos de limitación y elevará el nivel ella misma. Masterizar específicamente para la radio sólo puede servir para empeorar las cosas.

Nuestra música hoy en día no tiene vida. No hay emoción ni textura, y sin duda no hay razones para comprarla. Los jóvenes aceptan este sonido "hot" porque es todo lo que conocen. No se les ha mostrado la música que suena realmente "musical". No puedo creer lo que hemos hecho a nuestra música; de algún modo hemos permitido que la radio, con su respuesta en frecuencia y rango dinámico limitados, se haya convertido en el modelo de cómo deben sonar las cosas. Queremos que los CDs que compramos suenen como en la radio. ¿Qué ha pasado con la recreación de las emociones de un concierto en vivo? ¿Es posible que hayamos avanzado en tecnología, yendo hacia atrás en nuestra forma de pensar? No necesitamos tecnología digital para crear el sonido "hot"; podríamos haberlo hecho con las grabaciones analógicas, igual de fácil.

No caigas en la trampa de los 'CDs cañeros'
Aquí tenéis un diagrama que muestra el incremento en los niveles de los CDs. Se ve claramente cómo el nivel medio ha subido a lo largo de los años, debido a las "guerras de nivel" (Level Wars) promovidas por la industria musical.

Los CDs producidos en 1985 tenían un nivel medio de -18 dB. Esto dejaba amplio margen para picos musicales, o por decirlo de otro modo, para la pegada. Es el nivel medio, y no el nivel de pico, el que da a la música su fuerza.

A medida que entramos en los 90, podemos ver el cambio gradual que tiene lugar a medida que la industria musical entra en las Level Wars y comienza a destruir la música. El nivel medio de los CDs en 1990 era de -12 dB. Luego, como muestra la gráfica, el nivel se elevó a -6 dB en 1995. En el año 2000, los CDs alcanzaron un nivel medio de -3 dB. Es importante entender que a medida que el nivel de los CDs aumentaba, el rango dinámico se reducía.

En 2002, este aumento en los niveles medios era tan pronunciado, que causó una gran pérdida en la claridad y calidad general de los CDs comerciales. En 2005, la situación era aún peor.

Necesitamos un compromiso en cuanto a lo que debiera ser el nivel medio de los CDs. Creo que deberíamos volver al nivel de 1990 (sería preferible alrededor de -14 dB). Esto nos daría un nivel saludable, ¡así como margen para generar los picos musicales que restablecerían lo que se ha perdido en la música actual! Y hay [ otros en la industria ] que comparten mis creencias.

Espero que algún día nos despertemos de esta pesadilla. Así todos podremos grabar y masterizar música del modo en que debiera ser. Debemos tomar ventaja de lo que ofrece la tecnología digital: la capacidad de hacer grabaciones sin ruido o distorsión, ¡preservando al mismo tiempo las dinámicas naturales de nuestra música!

Gritad conmigo, muy alto: ¡QUE VUELVA EL RANGO DINÁMICO!

Por [ Bob Speer ]
Traducido por Xabier Blanco, con autorización del autor


El artículo traducido está sacado de aquí.
El original en inglés está aquí: What Happened To Dynamic Range?
Otro artículo muy interesante del mismo autor sobre el mismo tema: La muerte del rango dinámico (en inglés).
Otro más sobre la relación musica-radio: What Happens to My Recording When it's Played on the Radio?



Nota: Todo esto está sacado del fantástico blog Reino de Mondongo. No dejeis de visitarlo.

lunes, 1 de junio de 2009

Uri Caine - Moloch, John Zorn's Book Of Angels vol. 6 (2006)

Es que no me canso de escuchar este puñetero disco...

Reseña publicada en Tomajazz en marzo de 2007



Hay muchos Uri Caine. El músico de jazz, nunca convencional; el eléctrico explorador de tendencias, sonidos y “cacharritos” que lidera Bedrock; el hábil conversador que hemos visto en el reciente Things, a dúo con Paolo Fresu; el reinventor de grandes compositores clásicos con, por ejemplo, su reciente obra maestra tocando a Mozart. Pero, por encima de todos ellos, aglutinando cada ápice de eclectismo que le caracteriza, está el pianista.

Si bien cada disco de este músico genial es una lección de piano, Caine no se ha prodigado en exceso en el clásico formato de piano solo. Este es su primer registro de estas características desde
Solitaire, grabado en 2001, pero a pesar de las similitudes, son grabaciones muy diferentes.

En
Moloch, aunque sólo hay dos manos sobre el piano, dos cabezas diferentes dirigen la música. Una especie de “mini dream-team” de la familia Masada: la pluma de John Zorn a través de los dedos de Uri Caine. Nadie mejor que el pianista podría interpretar con el dramatismo y la intensidad necesaria una música de raíz tan marcadamente judía, y entiéndase esto desde una óptica cultural, no religiosa.

John Zorn estrenó en 2005 su
Masada Book 2. The Book of Angels, tras escribir trescientas nuevas composiciones para ese proyecto. Su idea no era interpretarlas él mismo ni con el cuarteto original de Masada, sino adjudicarlas a varias formaciones de lo más diverso, que pudiesen aportar diferentes caracteres a su personal universo. El primer volumen, Astaroth, corrió a cargo del trio de Jamie Saft; el segundo, Azazel, del Masada String Trio, y así hasta llegar al volumen 6, que es el que nos ocupa. Todos ellos son muestras incontestables de que el aparentemente limitado planteamiento de mezclar jazz con música judía, que Zorn desarrolla desde hace más de diez años, tiene aún mucho que decir.

El problema que podríamos encontrar en este disco es la enorme personalidad de cada uno de los implicados, pero lejos de ser un obstáculo, se convierte en una de las claves. Los diecinueve temas que componen
Moloch se suceden y, aunque desde el primer acorde se reconoce la mano de Zorn en todas las composiciones, Caine las lleva a su terreno sin usurparlas. Se ha dejado al compositor y al arreglista en el cajón y trae tan solo al pianista y al improvisador.

Moloch
es puro Caine, su estilo estalla en cada nota, relajado, despreocupado, disfrutando y simplemente tocando. Quizá por este motivo, por la naturalidad que transmite, estamos ante uno de sus mejores registros como pianista, sin menospreciar ninguna de sus obras como líder y menos aún teniendo en cuenta que hablamos de uno de los músicos más grandes de la última década.

Este es un disco excepcional en muchos aspectos, en el que hay composición, improvisación e interpretación, todo a un nivel estremecedor. Una obra impresionante del piano de jazz que no debe pasar desapercibida y mucho menos verse disimulada entre la vastedad del universo Masada, en el que, por otro lado, hay discos fantásticos. Pero
Moloch va más allá. Es un disco que se redescubre en cada escucha. Un disco que seguiremos redescubriendo a medida que pase el tiempo.

Yahvé M. de la Cavada, 2007

otros días, otros discos

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